LP´S CCS: Un recorrido en vinilo por la Caracas de los 90.

La década de los 90 estuvo llena de antologías, de sonidos, de lugares, emociones y de canciones que se quedaron eternamente enganchadas a la rebeldía que definió mil y un instantes de nuestras vidas.

El tiempo transcurría en prontitudes anímicas que iban desde un «mixtape» hecho en casa, en un cassette cuya cinta regrabada infinitas veces brindaba todavía 60 minutos de esa música «under» que coreamos hasta el cansancio con los amigos, dando vueltas en un carro, en un toque o en un bar de sospechosa reputación. Eran los años finales del reinado del vinyl, antes del CD, el Mp3, el Ipod. Sin Spotify, Youtube o Soundcloud.Una época en la que la música nos acompañaba en un cassete o a través del formato más puro y sublime, con la fidelidad sonora nunca superado del disco de vinilo.

“El tiempo pasa y nada sigue igual”, dice el famoso coro de “Sentimiento Muerto” y la verdad es que, aunque el tiempo pase y nada siga igual, los recuerdos siguen en nuestras memorias como nuestros más preciados tesoros y a veces también pasan cosas inesperadas que llegan para acompañarnos a evocar nuestro anhelado pasado. Es así, como nace para sorprendernos LP´S CCS, una iniciativa que pretende rendir homenaje a las bandas venezolanas más icónicas de finales del pasado siglo y comienzos del presente, a través de la reedición de sus producciones discográficas más emblemáticas en formato de vinilo.

Un viaje sónico que nos llevará por un recorrido musical desde la vena más punk de “la Leche” y “Reciclaje”, pasando por el ruido industrial criollo de “La muy bestia pop”, el hiphop fundacional de “La Corte”, las mixturas musicales de “Bacalao Men” y “Pan” hasta la experimentación sonora de “Kp9000” y “Babylon Motorhome. El soundtrack perfecto para   nuestros recuerdos de aquellos momentos preciados, de algún toque en Mata de Coco, Rajatabla o el Teatro Nacional, rumbas en El Basurero, The Doors o Rockatanga, o quizás alguna de las miles de noches que pasamos “viendo a ver que hay pa hoy” en El Naturista.

Y es entonces, gracias a esta edición limitada de lujo (tan solo 200 copias de cada álbum), cuando lo más puro del sonido renace en la musicomanía de los amantes de las sonoridades inmortales que acompañaron las rutas de su juventud y dieron miles de motivos para cantar con los ojos cerrados. Entregados a un instante íntimo, puro y sagrado, a la simplicidad avasallante que trae un disco de vinilo, las texturas sonoras que empapan nuestro ser y acarician cada uno de los sentidos, de las emociones. La piel se eriza escuchando la música que te dio más de un motivo para reír, llorar, rememorar, extrañar, cerrar o abrir un ciclo. Cada una de estos vinilos podría ser un capítulo de nuestras vidas, una estación, un puerto seguro y un hogar, las canciones que no dedicamos por celos y las que compartimos con pocos.

LP´S CCS, Es un altar de melomanías, un ritual, una historia hecha pentagrama. Un Delorean criollo en forma de disco con destino a Caracas, nuestra Caracas, la ciudad en la que, como dice uno de los refranes venezolanos favoritos de este tiempo “éramos felices y no lo sabíamos”, Caracas en algún momento de los años 90 del siglo XX.

Disponible en : https://lps-ccs.myshopify.com/

@lps.ccs

Otto Pereda/@otto.pereda

LUZ,el último disco de Morodo,el regreso del Binghi Man.

Corría el año 2001, comienzos de un nuevo siglo, un nuevo milenio y el futuro parecía brillante y prometedor aunque esto no nos quitara el sueño en el momento. En tiempos donde el internet no era el gran hermano omnipresente que es hoy, donde no existía Youtube,ni mucho menos  Spotify, en Latinoamerica el acceso a la música era mucho más limitado, las vías para descubrir nueva música eran más interpersonales y una de las principales fuentes de conocimiento eran las revistas que llegaban del extranjero, Estados Unidos o España.

Lo cierto es que en algún momento de ese año la  edición mensual  de la revista Hiphop Nation, prácticamente la biblia del rap en español, traía incluido un cd recopilatorio con distintos artistas de la península en el que destacaba el tema «Babilonia», una oda a la reflexión y la toma de conciencia  ante las paradojas del mundo moderno, un grito anti sistema, en la voz gruesa y contundente de un joven MC madrileño conocido con el nombre de Morodo quien al mejor estilo ragga  escupía magistralmente su mensaje sobre una pista de rap, era quizás la primera vez que se escuchaba en la lengua de Cervantes una mezcla tan perfecta del Reggae y el Hiphop, movimientos, géneros, culturas que aun siendo  hermanos (desde el comienzo, desde Kool Herc) no solían estar tan relacionados.

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Y esto maravilló a muchos, Morodo comenzó a tener una legión de seguidores, que crecería con el Lanzamiento de “Ozmstayl” su primer disco en solitario y las colaboraciones con Souchi, el Maese KDS y Dahani.

Casi 20 años han pasado desde entonces y Morodo es considerado hoy en día, el mayor referente del Reggae de España, gracias a 6 larga duraciones, giras  por Europa y Latinoamerica, incontables presentaciones , festivales y por supuesto mucha constancia.

En plena pandemia global, rompe el silencio después de 6 años con un disco que hace tributo a su nombre “LUZ” en el que demuestra el fulgor de sus líricas, cargadas de emotividad, mensajes e instrospecciones que relatan poco a poco el universo interior de este artista. Haciendo de ellas poemas de protesta, su propia emancipación, el amor, la vida, la familia y sin dejar por fuera, cantos a la naturaleza del indica/sativa.

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Es notable la necesidad de Morodo al hablar de la unión, del perdón y la reconciliación fraternal, con el track “Hermano” una oda a la familia, a sus raíces que lo hicieron crecer, a aquellos que le dieron un ritmo. Una pandereta confiesa la reconciliación, la fuerza que fluye entre una prosa y la otra, un sentimiento sobre el atril y la revelación hacen de este un tema especial y simbólico.

Si algo ha sabido hacer el Binghi Man durante su carrera, es el equilibrio entre el rap y el reggae, una amalgama que lleva su nombre escrito y así lo demuestra con “N.W.O” junto Toteking un track  que te recuerda una escuela real, fuerte e incesante. Lanzando palabras en contra de la Babilonia Europea, de los estados monarcas y corruptos. Un himno que se manifiesta con el puño arriba.

Morodo, se mantiene fiel a sus orígenes, a sus convicciones y a sus letras llenas de emociones puras, ajenas. Frases que se quedan en el paladar, con coros que memorizas porque se dejan colar de formas innatas. Un arrullo musical y lleno de romanticismos, la declaración de amor honesta y poética se desnuda con “Believe me” junto a Tiano Bless un ramo de flores que será eterno en el que celebra a su musa más grande. Una canción dulce como el agua de coco, inexplicable y emocional.

20 años no son nada, dice la canción, aunque en el caso de Morodo le han servido para hacerse un nombre,un camino, una voz.

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Otto Pereda

After Hours: el nuevo disco de The Weeknd

 ¿Quién iba a decir que una ruptura iba a ser tan productiva? Pues, Abel Tesfaye -o, como lo conocen en el mundo musical, The Weeknd-. Con su relación con Selena Gómez creó muchas de sus mejores canciones resumidas en su EP “Dear, Melancholy” y, ahora con su atormentada relación con Bella Hadid, llegó After Hours, un álbum que puede considerarse una catarsis musical.

En este nuevo álbum, no abandona los típicos tópicos que han hechos famosos a sus canciones: sexo, drogas y desamor; pero con una estética que se bambolea entre lo nuevo y lo viejo, con un personaje que se asemeja mucho a Michael Jackson de los 70, con la personalidad que el Joker ha puesto de moda.

Las canciones de este disco nos hablan de melancolía, de pasiones sin sentido, y del romance compartido entre la persona que amas y las drogas a las que eres adicto. No faltan las referencias al sexo y la soledad en tracks como Escape to LA y Alone Again.

The Weeknd crea todo un hilo narrativo con los 14 temas que componen este álbum; una idea que se ve reforzada con los dos videoclips de dos de los sencillos (Blinding Lights y Heartless) y short film (After Hours), que no tiene otro tema más que un viaje desenfrenado de locura a Las Vegas. -porque, por supuesto, no hay un mejor lugar para escenificar la excéntrica personalidad de Abel que la ciudad del pecado-.

Si bien el sonido de muchas de las canciones del álbum es bastante parecido a Starboy y a Beauty Behind the Madness, se puede considerar que es el trabajo más completo de The Weeknd, no solo gracias a la composición de los sencillos -un mérito que sólo puede otorgarse a Abel-, sino también a la producción de artífices como Max Martin (sí, el cerebro detrás de Britney Spears y Backstreet Boys) y Daheela.

Al final, The Weeknd nos da un paseo por sus oscuros pensamientos en After Hours y nos plantea una dura reflexión: el amor también puede ser una droga.

ELIA MORENO / @Elivanne

5 rolas de Películas,Sólo en Películas.

Este es mi Top 5 de canciones de películas, quiero decir, temas exclusivos que solo puedes conseguir en discos de grandes obras del cine, aunque un tanto infravaloradas pero no del todo olvidadas, estas canciones la parten en cualquier momento de tu vida.


5. The Cure – «Burn» (The Crow)Recuerdo cuando vi The Crow, rápidamente se convirtió en mi favorita y todo tenía que ver con su personaje. Cansado de Van Dame, era de esperar que Brandon Lee fuera la esperanza del cine de acción de Hollywood, pero no duró más allá de esta película. Aquí nos presentaron un hermoso soundtrack cargado de power, bandas como Rage Against the MachineNINViolent FemmesStone Temple Pilots y hasta Pantera, pero una sobresalía y era esa oscura melodía de The Cure. La canción fue exclusiva para este soundtrack, y no era para menos, ya que el creador del comic era fan de esta banda, además de su inspiración para escribirla.

4. Lindsey Buckingham – «Holiday Road» (National Lampoon`s Vacation)Fan absoluto de Chevy Chase, era el perdedor número uno de los 80`s, y por eso lo amaba. Este clásico de clásicos de las comedias, trajo adherida esta canción escrita por Lindsey Buckingham (Guitarrista de Fleetwood Mac) exclusiva para este film. Con aires a los Beach Boys, es de esas que recuerdas con cariño por toda la vida y cuando suena no haces otra cosa que reír y recordar el sándwich lleno de orine o al asesino de perros. 


https://www.youtube.com/watch?v=KsYqIJqlPNc


3. Iggy Pop – «Lust For Life» (Trainspotting)Aunque no fue escrita exclusivamente para esta película, la letra de Iggy encajaba a la perfección con el tema de los excesos de drogas que ahogaban la vida de lo personajes de Trainspotting. Además de ser coescrita por el Tío Bowie, el power de esta rola es indescriptible, cuando empiezas a escuchar la batería inicial te empieza a recorrer por el cuerpo un tembleque que te hace mover la cabeza y no paras hasta que acaba la canción. 


https://www.youtube.com/watch?v=jQvUBf5l7Vw
2. Juliette Lewis – «Hardly Wait» (Strange Days)
Una de la canciones más sexy que he escuchado en mi vida, además de que la canta la super rocker y hermosísima Juliette Lewis, que nos regala una escena cargada de sensualidad al interpretar la misma canción en la película. Les reto a hacer una lista de cosas que harías escuchando esta rola, la primera que se te ocurra te la adivino.https://www.youtube.com/watch?v=TlAii5OJ_Pc

1. Josh Homme – «All the Same» – (The Dangerous Live of Altar Boys)
Peli super recomendadísima, muy al estilo de historia de amigos de la adolescencia ochentera, con una fusión comics que va acorde a los acontecimientos de la película. Meláncolica, como el tema que el genio Homme escribió para este soundtrack, se le escucha varias veces en la película, pero es que es una joya muy poco conocida del señor Josh, de los mejores riff de guitarra que ha creado en su universo musical.
https://www.youtube.com/watch?v=YX0ol5xmjiI

Les comparto algunas otras ya que te pusiste modo melómano y quieres más.
The Offspring – «Smash it Up» (Batman Forever)https://www.youtube.com/watch?v=-HJLkL1eTAM

Scott Pilgrim VS. The World – «Scott Pilgrim» (Scott Pilgrim VS. The World)
https://www.youtube.com/watch?v=hmH4JFlUaEM&list=PL0BC55E69B112D7A3&index=2

The Dickies -«Banana Splits» (kick Ass)



Eddie Vedder – «Guaranteed» (Into the Wild)https://www.youtube.com/watch?v=Mwx3RvDWvDM

Tito & Tarantula – «Angry Cockroaches» (From Dusk Till Dawn)

ALE RUSSO/ @Alerusso29

The Beastie Boys, crónicas audiovisuales de la banda mas grande del planeta

Now here´s a little story

i´ve got to tell About

three bad bothers you know so well.

It started way back in history

With Ad-Rock,MCA,(and me) Mike D.

Este artículo podría tratar de explicar porque The Beastie Boys han sido el grupo más importante en la historia del hiphop,  pero eso ya lo han hecho muchos antes .

The greatest group of all time ,HIPHOPDX

También podríamos argumentar incluso que Beastie Boys es el grupo más relevante de la música popular en los últimos 50 años, pero seguramente esto crearía mucha polémica.Y aunque parezca impropio de nuestros tiempos,no es lo que buscamos.

Beastie Boys live Documentary by Spike Jonze

De igual forma podríamos afirmar, decenas de sentencias que de alguno u otra manera no haría sino mostrar la extraordinaria importancia que este grupo formado en Nueva York en 1982, ha tenido dentro de la industria cultural global o quizás lo que algunos suelen llamar “CULTURA POP”  “Beastie Boys the coolest guys in the world” o  “How the beasties change my life” serian clichés que pudiésemos repetir  una y mil veces.

Este post, podría  y quizás debería dejar que sea su música la que hable por ellos, de alguna forma sería lo  correcto, pero en Nonamestories no solemos hacer siempre lo correcto, al menos no en este criterio, además sería un poco más de lo mismo, y si usted querido lector no ha escuchado la música de estos personajes, usted no ha vivido todavía.

Jimmy Fallon Show abril 10 2020

Así que hemos decidido compilar material audiovisual, entrevistas, presentaciones  etc, para que cada quien tenga una pequeña muestra y sobre todo, su opinión personal sobre el  significado de este nombre: BEASTIE BOYS.

Beastie Boys video playlist

Otto Pereda

The Father of all motherfuckers, el nuevo sonido de Green Day

El mundo se ha convertido en una película de cine desastre en los últimos días. Con la pandemia del Coronavirus, nos vemos obligados a estar en casa, y tenemos demasiado tiempo para pensar. Si quisiéramos ponerle música a nuestra propia cinta apocalíptica  (con virus incluido) , ¿a quién escogerían?…Unos pondrían a Queen, otros a los Beatles y,  aunque los amo,  yo, sería bastante punk y dejaría a mi alma hippie atrás, y escogería a Green day. ¿Por qué? Porque Billy Joe Armstrong y sus chicos dicen lo que todos queremos decir, solo que sin filtros.

En febrero, regresaron después de 16  años sin regalarnos algo nuevo ¡Y vayan que regresaron! El disco es Father of All Motherfuckers, dura apenas 26 minutos y suena a todo, menos a ellos. Green day, como siempre, hizo lo que le dio la real gana con este disco. Además, la portada del disco es una obra de arte que solo podrían hacer ellos, burlarse de sí mismos. Se trata de una parodia de su álbum “American Idiot”, solo que, en vez de granadas, tiene a un unicornio vomitando a un arcoiris y con los colores de la comunidad LGBT. (sí, leíste bien),

Con Father of All… Ellos decidieron que se iban a divertir e iban a tocar lo que les provocara.Se pasearon por todas las variaciones que el rock pueda tener. Muchos aseguran que la banda solo le está haciendo bullying musical a su disquera. Si esa era su intención, es el trolleo más exitoso de la industria de la música.

Si buscas el punk más esencial, es mejor que des la vuelta y pases por otro lado, porque aquí no lo vas a encontrar. Graffitia, Fire, Ready y Aim, son lo más soft que encontrarás en el disco, al punto que son  de lo más glam metal y, en Oh Yeah! te vas a ver moviendo la cabeza como si estuvieras escuchando a Joan Jett.

Pero, aunque ellos solo quieren divertirse, los viejos hábitos no se dejan de lado y, entre tanto desparpajo y preocupación, hay tiempo para uno que otro himno fluya. En I was a teenage teenager te dejan bien en claro que su vida de adolescente no fue idílica, y no eran conocidos por ser, precisamente, una brújula moral: “Mi vida es un desastre y la escuela es para tontos”. Además, termina con una pregunta descarada : “¿quién tiene las drogas?”.-Sí, Billy Joe no deja de ser Billy Joe ni con el paso del tiempo,  eso se agradece-.

Probablemente, no es el mejor álbum de Green Day (nunca nadie va a superar el American Idiot de 2004) pero es un disco descarado, qué va directo al grano y no te da tiempo de aburrirte.



ELIA MORENO/ @ELIVANNE

Ska sin capucha

Si alguna vez has escuchado a The Hoodska Explosive, lo más seguro es que has sentido algunos movimientos involuntarios en los pies y piernas, seguidos por un leve aleteo de brazos y agitamiento de cabeza. No hay manera de que todas tus extremidades del cuerpo estén quietas, ni el dedo pequeño del pie se salva. Es que el ritmo de estos panas es increíble, recomendado si quieren sudar el acohol bailando un rato en una reunión, o solos en casa como les dé la gana.

Esta banda de Israel cocina un Ska Jazz, con toques de Klazmer (Género musical de origen judío), gotas balcánicas y esencia de gipsy, toda una buena mezcla digestiva para los oídos. No muy conocida pero no por eso menos escuchable, desde hace rato vengo escuchándolos, aunque tienen solo un disco. 

Todo empezó en las calles de Tel-Aviv, donde Haggai Zehavi (bajista y voz) hizo un trueque con un amigo tatuador, Zehavi le hacía una canción por un tatuaje (que hermoso intercambio por cierto). Escribió la canción que 3 años después se llamaría Skin Ink in Ska,pero faltaba algo muy importante, una banda. 

Conseguida la banda, con una canción propia y tras un ir y venir de integrantes, decidieron seguir escribiendo y tocando versiones de The Skatalites, intentando llegar al alma del Ska. Se les podía ver tocando sus canciones en fiestas pequeñas y en avenidas, hasta que una banda llamada Los-Caparos los montó en un escenario y empezaron a tocar juntos. 

Su primer y único álbum bautizado como The Misleading se lanzó en el año 2008. Una obra maestra bailable al 100% con altibajos sensoriales que aunque te deja con ganas de más, puedes escucharlo una y otra vez sin que te canses.

Ya conoces a The Hoodska Explosive, ahora puedes darle play y como diría la señorita Cornelia, ¡A batir la melena!.

ALE RUSSO/ @alerusso29

Sam Cooke la Voz del Cambio

Existen voces que perduran en el tiempo, cuyos tonos se tatúan en lo más profundo del ser  quedándose eternamente en el inconsciente de quien los escucha por primera vez, un coro hecho a la medida de los sentimientos que evoca el góspel, R&B, Soul Music, el Blues y el color más puro y elevado de lo que una nota, sostenida, sentida y engalanada, entona el gran Sam Cooke.

Una escuela musical cuyas materias son sencillas y complejas. Es uno de los tantos sonidos del amor, del corazón, de las almas rotas, las ánimas que se reconocen dentro del disco de vinil, la aguja que hace que suene, es la misma que se clava en el tímpano y una vez que penetra los sentidos, nunca nada será igual.

Nada sonará igual.

Porque Cooke suena a un primer beso, a una lágrima, al encuentro no planeado del amor verdadero y perpetuado, a sueños, a suspiros entre los labios, al reflejo en la mirada. Como un buen vino que se desnuda sobre el paladar, a un baile con la soledad. Es la arritmia, la fiebre y la cura.

Su historia es tan inconclusa como poderosa, es un eco que se repite a través del tiempo haciendo de él, un ser único, de esos que no se repiten, La nobleza de su integridad con el tiempo se volvería una total amenaza para las grandes disqueras, para los sedientos de poder, para los resentidos y especialmente, para el gobierno.

Sus comienzos musicales se remontan entre canciones de góspel, los domingos en la Iglesia entonando los himnos y dándoles a cada uno de ellos un hermoso color que solo podría nacer de su garganta, de sus intenciones y de sus sueños de grandeza.

Creador y autor de su propio destino, en un giro sin precendentes logra posicionarse con un tema, escrito y compuesto por si mismo, “You Send Me” el cuál logró  el #1 de Billboard’s Rhythm & Blues Records chart y en el Billboard Hot 100.

No solo es un gran tema, fue también un gran paso para él y para muchos de los artistas que luego le precederían. Con este éxito bajo la mano, tiempo después es invitado a presentarse en el Show de Dick Clark, si,  el mismo donde debutarían luego Iggy Pop, Prince, The Beach Boys y hasta Madonna y una vez más, hace un enorme salto hacia la fama, a pesar de las amenazas del Ku Klux klan a la televisora, Clark y el propio Cooke para que el artista afroamericano no se presentara.

Para Sam Cooke el cielo era el límite, en una época en la que el color de piel era de suma relevancia. Tanto así que, decidió no presentarse más en lugares en donde la discriminación reinaba. Sin importarle lo que los grupos de la extrema derecha racista pudiesen hacer.

Comienza entonces, con la construcción de su imperio. En la creación de un espacio en el que hombre negro tendría las mismas oportunidades que cualquier blanco, pues, más allá de ser un increíble cantante y compositor, era también un empresario. Hombre de negocios que abonaría el camino para otros, hacia el éxito y hacía el derecho a ser tan grandes como sus sueños.

Tan grande como el cielo, tan sabio como nadie y aunque sea un secreto a voces, fue el fundador de su propia disquera, la nada más y nada menos que SAR Records, la pequeña mina de oro. Cuyo lema sería “que cada uno de los artistas que yo tenga, tengan tanto éxito como el que yo he alcanzado”

Un corazón tan grande que no le cabría en el pecho.

Se rodea de personas cuyas voces conformarían un poderío amenazante, pues el cambio que esta por suceder sería inminente. Su amistad con Muhammad Ali (Cassius Clay) Malcolm X y el jugador de fútbol americano, Jim Brown fue para muchos, una alerta roja que debería ser silenciada sin importar el costo.

Cabe acotar que de este valeroso cuarteto dos de ellos, son asesinados con un año de diferencia. Para los gobernantes racistas y empresarios segregacionistas, esto era simplemente intolerable. Un hombre de color jamás podría llegar a tener los mismos derechos que ellos, pero ¿quién podría silenciar la música?

Malcolm fue el teórico, King el ejemplo, Alí la figura y Sam la voz.  De los 4 solo el más famoso, el más mediático no fue asesinado y el de Sam pareció ser muy simple, una teoría del caos, una conspiración sin pies ni cabeza. En la que la premisa de un Sam Cooke, ebrio y agresivo secuestra a Lisa Boyer a una mujer asiática y trabajadora nocturna, Lisa, la lleva a un hotel de mala muerte para terminar siendo asesinado por una mujer negra que, de tres disparos acaba con la vida del cantante.

Tenía tan solo 33 años.

Un “homicidio justificado” le dirían en la corte, dejando impune a Bertha Franklin, la mano asesina tras el gatillo, mientras que una asiática es presuntamente secuestrada. Muchas “causalidades” obvias que no tildarían tal crimen como algo racial, ni hombres ni mujeres blancos. Solo personas cuyos linajes para el momento, eran una minoría.

“Todos se parecen” dirían los extremistas.

Pero solo el cuerpo de Cooke deja este plano, pero su música permanece inmortal en el tiempo. El padre creador del Soul Music, título que comparte con el maravilloso Otis Redding. Abrió la brecha para otros grandes artistas como: Marvin Gaye, Aretha Franklin, Stevie Wonder, Al Green. Dándonos a nosotros, los amantes de este género horas y horas de polifonías.

Temas como “Bring it home to me” “Cupid” Evereybody loves the cha cha” “What a wonderfull world” son romanzas perfectas. Alguno de ellos, versionados por artistas más actuales como, Amy Winehouse.

Para nosotros es un honor extender un día más el Black History Month rindiendo tributo a un gran músico y compositor, Pero sobre todo, a un hombre íntegro.

A change is coming, Mr.Sam Cooke.

DANIELA ALAYETO

David Bowie:Simbiosis Glamour y Música

Hablar de David Bowie es adentrarse en un mundo lleno de matices, facetas, géneros y ambigüedades de todo tipo. Es abrir un abanico musical irreverente. Es la escarcha sobre el tocadiscos, los looks andrógenos, las historias y las leyendas. Fue y de alguna forma u otra, sigue siendo la innovación hecha música, ritmos, bailes, métricas, corcheas y una galaxia melómana.

Es así como Bowie transmuta entre viajes astrales y los alteregos, sonidos ajenos y personales. El quiebre de lo socialmente establecido dentro de las cadencias que durante décadas sonaron en la radio, en el cine. Cada uno de sus períodos tiene una esencia, un tono, un color y una sensación imposible de olvidar. Desde el nacimiento de Ziggy Stardust hasta que renace en su verdadero ser

Ese, el del rayo. El qué se hizo laberinto, el rebelde, el de la nave espacial, el Black Star, el que reinventó los dúos, el estrambótico, excéntrico de David Robert Jones.

 El autor de su propia visión artística y quien da un cierre fenomenal a su existencia con un disco que entona el agradecimiento a la vida, al arte armónico. Fue tanto el amor que en el hábito que se despide de este plano (probablemente porque ahora es energía pura) con su último disco “BlackStar” un disco póstumo y planeado, pues el mismo ve la luz días después de la muerte del gran artista.

Algo así como “crónica de una muerte anunciada” pero versión glam-art-rock. Una placa hecha con precisión, detalle y cuidando hasta los últimos ángulos del mismo. Se mantuvo en perfecto secreto, como si de una meditación se tratara en la que se buscan entonar hermosos mantras que eleven el espíritu y den un cierre perfecto.

Bowie, dedicó el último año de su vida a hacer de esta obra maestra una biografía llena de capas, llena de secretos, llena de incógnitas y respuestas. La descomposición y composición de la portada del álbum, es el abreboca a lo que dentro del mismo se oculta.

Habría que cerrar los ojos y dejarse llevar por las historias que poco a poco va contando, un embrollo con sentido. Un sentir llega hasta el alma, el despertar interno de la luz que quiso ver, nos la regaló en 7 canciones.

Y fue entonces como dos días después de su cumpleaños, muere y nos deja. Fue doloroso despedirse sin duda alguna. Pero fue con un adiós bailable, un funeral celebrado por todo lo alto. Es un suspiro eterno hablar de Bowie, uno de los primeros amores musicales que no toda generación, pudo disfrutar, entender o amar.

Cerramos enero haciendo honor a los grandes con un pequeño playlist que rememora al gran Bowie, Major Tom, the chamaleon of rock, the thin white duke, the starman, Jared.

A él, el de la heterocromia.

DANIELA ALAYETO